Francesca Woodman

Biografía 

Francesca Woodman fue una fotógrafa estadounidense. Nació en Denver, Colorado, el 3 de abril de 1958 en Nueva York y falleció el 19 de enero de 1981.  Sus padres, George Woodman y Betty Woodman, eran artistas plásticos que ahora gestionan un archivo de más de 800 imágenes, 120 de las cuales han sido expuestas o publicadas.

Se inscribe en la generación de mujeres de vanguardia de la década de 1970 que reivindicaron su aportación y visión del mundo, que incluye también a artistas activistas como como Cindy Sherman, Martha Rosler o Ana Mendieta.

Criada en el seno de una familia de artistas, su interés por la fotografía surgió a una edad muy temprana: con solo 13 años empezó con sus primeros trabajos, ya adoptando un estilo característico, casi siempre fotografiando en blanco y negro, con formato cuadrado, y dando prioridad a la iluminación para, a través de ella, conseguir centrar la atención sobre un sujeto principal en la escena. De sus padres obtuvo sus primeras influencias hacia el arte, de tal forma que, desde pequeña, lo conceptualizó no sólo como un modo de vivir, sino más bien como un modo de pensar. Es considerada una niña prodigio.

Trabajos

Su obra consiste en retratos, mayoritariamente de mujeres en blanco y negro, siendo ella misma la modelo en muchas ocasiones. El cuerpo es uno de los temas centrales de su fotografía; las figuras humanas aparecen borrosas, perdidas en la sombra, parecen formar parte de las salas invadidas por el deterioro.

A través de sus fotografías, Woodman buscó la denuncia de la situación en la que vivían las mujeres en los años 1970.​

Descripción: Mujeres en distintas situaciones un poco escalofriantes, en infraestructuras devastas o en mal estado, un paisaje sucio y desordenado. 

Análisis Formal: Utiliza la luz y la sombra para dar preferencia a la figura que esta en la imagen, siendo esta la iluminada o por el contrario la única oscura. Las texturas se ven claras, pero la imagen borrosa, lo que les da ese toque tétrico. 

Interpretación: La fotógrafa quiso mostrar de una manera un poco cruda la realidad de las mujeres en los años 70', muchas veces maltratadas y asesinadas y encontradas como si nada. Quiere mostrar el terror y como lo veían las mujeres. 

Evaluación: No estoy segura si mis interpretaciones son correctas, pero el mensaje almenos de una mujer maltratada y con miedo esta clara.  

Percepción Personal: La sensación que me producen estas fotografías son inquietud, escalofríos, asombro. 

Chuema Madoz

Biografía 

Chema Madoz es un fotógrafo español, Premio Nacional de Fotografía en el año 2000. ​​Nacido José María Rodríguez Madoz, entre los años 1980 y 1983 cursó Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid que simultanea con los estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen.

La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expuso la primera muestra individual del autor en el año 1984. En 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) inauguró su programación de fotografía con una exposición de sus trabajos. Dos años después, en 1990, comenzó a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha. En 1991 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía mostró la exposición "Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española" que llevará de manera itinerante por varios países. Algunas fotografías de Madoz forman parte de esta exposición. Ese mismo año recibió el Premio Kodak. En 1993 recibió la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto.

Trabajos 

Descripción: Distintos objetos cotidianos colocados de manera que hagan un efecto visual.

Análisis Formal: Utiliza mucho la escala de grises. Las texturas de los objetos son claras y muy nítidas. 

Interpretación: el fotógrafo intenta transmitir en la primera imagen que todo el estudio, si no se mantiene o se sigue igual, se puede ir por la tubería. La segunda según yo representa el paso de una dimensión a otra o de una habitación a otra, a ver mas allá. Y la tercera es dejar volar la creatividad. 

Evaluación: No estoy segura si mis interpretaciones son correctas, ya que estas fotos son muy subjetivas y pueden hacer pensar cualquier otra cosa, creo que si consigue dar un mensaje.  

Percepción Personal: La sensación que me producen estas fotografías son calma, intriga, curiosidad. 

Andreas Gursky

Biografía 

Nacido el 15 de enero de 1955, Andreas Gursky es un fotógrafo alemán conocido fundamentalmente por sus trabajos en gran formato y que trabaja con imágenes en color procesadas digitalmente. Es uno de los fotógrafos más exitosos de la fotografía contemporánea. 

Andreas Gursky nació en una familia de fotógrafos, ya que tanto su padre, Willy Gursky, como su abuelo Hans (1890–1960) han sido fotógrafos publicitarios. Willy Gursky había dirigido su propio estudio en Leipzig desde 1949, hasta que en 1950 se mudó con su familia desde la República Democrática Alemana hasta la ciudad de Düsseldorf. 


Trabajos

El contacto con el estilo de Henri Cartier-Bresson durante los 70', el americano Dan Graham, el canadiense Jeff Wall, el alemán Jochen Gerz y el francés Jean Le Gac contribuyeron a crear su estilo único basado en grandes formatos, sencillez y rigor de la composición y sofisticación cromática, así como un diálogo constante con la historia de la pintura.

Es precisamente en sus fotografías de exterior en las que retrata paisajes de montaña, cataratas y carreteras donde se aprecia la inmensidad del entorno en contraste con la pequeñez de lo humano. 

Descripción: Muchos objetos juntos en una foto de gran escala, la primera son personas en una fabrica, la segunda paneles solares en el campo  y la tercera casas y edificios. 

Análisis Formal: Utiliza mucha iluminación, pero no tanta como para opacar la imagen, la foto es clara y nítida. 

Interpretación: el fotógrafo intenta transmitir lo pequeño que somos y la magnitud de todo lo que hemos creado y de lo que es la creación. 

Evaluación: Es un poco confuso de entender, pero si se mira bien se nota que es una imagen grande que busca hacernos sentir pequeños, asi que si se cumple el objetivo. 

Percepción Personal: La sensación que me producen estas fotografías son inquietud, un poco de confusión y mareos por muchas cosas juntas y que analizar. 

Duane Michals

Biografía 

Duane Michals, fotógrafo estadounidense, nace el 18 de febrero de 1932 en el seno de una familia de la clase obrera, su padre era un trabajador del metal en McKeesport, estado de Pensilvania.  

Su obra fotográfica destacó en los años 70' por sus secuencias y la incorporación de textos como elementos de las fotos. Se le considera uno de los principales representantes de la fotografía conceptual y filosófica.

Sus trabajos 

Atget es el fotógrafo que más ha influido en sus obras. Aunque en sus fotografías se nota la influencia del surrealismo, especialmente Magritte y Balthus. Sin embargo, suele introducir elementos de reflexión sobre la existencia humana.

La parte más significativa de su obra son las secuencias y la incorporación de textos como elementos visuales integrados. Así en la portada del disco Synchronicity de Police se puede observar esa utilización de la secuencia para cada uno de los músicos.​ En 1966 presenta sus primeras secuencias y poco después incorpora sus textos a sus fotografías, dotándolas de un nuevo contenido ideológico.

Una característica esencial de su obra es la re-definición del medio fotográfico como un medio artístico y no como un registro de la realidad, destacando el papel de las emociones y los sueños.​ Sus escenificaciones y sus textos añadidos le sitúan en el arte conceptual

Descripción: Son secuencias de una persona en una oficina de como florece, una mujer mirándose al espejo y una niña jugando con una chaqueta que se convierte en una persona. 

Análisis Formal: Utiliza más negros y grises oscuros, muy poco el blanco. Las texturas no se ven bien del todo, pues son muchas sombras y algunas están en movimiento. 

Interpretación: El artista trata de situarnos en una situación que solo pasaría en sueños, como si estuviéramos soñando despiertos viendo una realidad captada en cámara pero que a la vez no es posible. 

Evaluación: El mensaje en este caso para mi es algo confuso al principio, sin embargo después de analizar bien la secuencia se entiende el mensaje que da. 

Percepción Personal: La sensación que me producen estas fotografías son nervios, una pequeña ansiedad e incertidumbre, sin embargo llama mi atención considerablemente. 

Sacha Goldberger

Biografía 

Sacha Goldberger es un fotógrafo francés de modas y publicidad nacido en 1968.

Cobró visibilidad en la Red cuando, hace algunos años, se comenzaron a difundir una serie de fotografías en las cuales la protagonista era su abuela Frederica ("Mamika").

Su Trabajo

¿Qué pasaría si Superman hubiera nacido en el siglo XVI?

¿Y qué tal si Hulk hubiera sido un Duque?

¿Cómo hubiera retratado Van Eyck a Blancanieves?

El descubrimiento de Sacha de estos personajes nos devuelve a la niñez, haciendo nacer un deseo de reapropiárnoslos, para hacerlos viajar hacia atrás a un tiempo que forma la piedra angular del arte moderno. 

Sacha quiere confrontar esos iconos de la cultura Estadounidense con pintores contemporáneos de una Escuela Flamenca. La colección el uso de las técnicas del siglo XVII, contraponen luz y sombras para ilustrar la nobleza y fragilidad de los superpoderes de todos los tiempos. 

Descripción: Es la visión de como serian los Super héroes y villanos de nuestros tiempos en el Renacimiento, como los hubiera visto la gente. 

Análisis Formal: Los contrastes de color son neutros, utiliza colores fuertes en los personajes y opacos en el fondo lo que los hace resaltar más. Las texturas se notan, el cabello, maquillaje y expresiones también están bien marcadas. La luz esta perfectamente proporcionada.

Interpretación: El artista trata de mostrar como serian los super héroes y villanos de comics en la Edad media o Renacimiento dándonos la idea de viajar en el tiempo y hacernos imaginar mucho más. 

Evaluación: Yo creo que el mensaje se entiende, esta bien logrado los trajes y maquillaje tratando de acomodarlos a una época antigua. 

Percepción Personal: En mi opinión, lo que me producen estas fotografías risa, diversión, gracia. 

Raymond Depardon

Biografía 

Raymond Depardon (6 de julio de 1942) es un fotógrafo y cineasta francés nacido en Villefranche-sur-Saône (Ródano). Es el fundador de la agencia Gamma. Actualmente, es uno de los más prestigiosos directores de cine documental.

Sus primeros cortometrajes, realizados al mismo tiempo que sus reportajes fotográficos, muestran la tensión entre imagen fija e imagen en movimiento, la necesidad de "liberarse" de la tiranía estática de la fotografía. Sin embargo, a lo largo de su carrera, su relación con la cámara ha ido cambiando, y una vez superada la etapa de exploración de los movimientos de cámara, su cine ha ido volviendo a los orígenes: la imagen fija.

Trabajos 

Quizá uno de sus rasgos más salientes de su trabajo sea la reflexión sobre una posible ética de la imagen, especialmente al tomar siempre una distancia respetuosa de las situaciones o personas que registra, eludiendo lo espectacular y señalando en cambio aquello que hay de humano en lo cotidiano y late oculto en escenas que para muchos podrían resultar insignificantes. 

Descripción: Se ven escenas totalmente ordinarias, niños jugando bajo un puente en un rió, una pareja abrazada paseando en barco y una persona que parece cansada o no se siente bien.

Análisis Formal: Los contrastes de color son muchos, se ve más negro de fondo, casi nada de grises y mucho blanco. Las texturas son casi imperceptibles por la cantidad de sombras que se ven. 

Interpretación: El artista trata de mostrar lo bello del ser humano, lo afectuoso en una escena que puede ser muy común de ver. 

Evaluación: Yo creo que el mensaje se entiende y es que de lo sencillo y cotidiano que tenemos viene lo hermoso del ser humano y lo natural, nada forzado. 

Percepción Personal: En mi opinión, lo que me producen estas fotografías son tranquilidad, felicidad, intriga. 

Helmut Newton

Biografía 

Helmut Newton nació en 1920. Su auténtico nombre es Helmut Neustädter. Fue un fotógrafo alemán de origen judío que se vio obligado a abandonar su país por culpa de la II Guerra Mundial.

Su introducción en el mundo de la fotografía data de 1936 cuando comenzó a trabajar como aprendiz en el estudio fotográfico de Else Simón (Yva). Ella era famosa por sus retratos de desnudos y su fotografía de moda. Estuvo allí hasta 1938, año en que abandona su Berlín natal. Pasó varios años en Singapur y Viena y vivió en París más de 25 años.

Su trabajo

En la actualidad sus fotografías son muy reconocidas. Newton creó un nuevo estilo en el mundo de la moda, en el canon de belleza y en la admiración del desnudo. Todo esto le granjeó mucho éxito como fotógrafo a pesar de tener muchos detractores en su época.

Newton tenía preferencia por las mujeres altas, delgadas y huesudas y las retrató tanto vestidas como desnudas. También centró muchos de sus trabajos en la imagen andrógina de algunas de ellas y las vistió como hombres.

Todo esto ocurría en plena revolución sexual y cuando la mujer de la época estaba en la búsqueda de su nueva identidad. La fotografía de Newton demuestra las facetas más diversas de los nuevos tipos de mujer.

Descripción: Las modelos muestran una manera masculina de posar y de mostrarse en las fotos, no tan femeninas y sensuales como era común ver. 

Análisis Formal: Los contrastes de color son muchos, se ve más negro de fondo, casi nada de grises y mucho blanco. Las texturas son casi imperceptibles por la cantidad de sombras que se ven. 

Interpretación: Como esta era la época de la "nueva mujer" Newton pienso que quiso mostrar que las mujeres pueden ser tan iguales como los hombres, no hay roles y pueden ser ellas las que tienen el control o dominan mientras que el hombre es el que las seduce, no al revés. 

Evaluación: Yo creo que el mensaje esta claro y emite bien la igualdad de genero y que no por ser mujer debes actuar de cierta manera. 

Percepción Personal: En mi opinión, lo que me producen estas fotografías son fuerza, dominio, sensualidad.